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Si Edgar Wright era para mi "un director a tener en cuenta" después de Shaun of the Dead (aquella extraordinaria comedia-romántica-gore que se editara en dvd hace un par de años), bueno, con el fake trailer de Grindhouse y, sobre todo con Hot Fuzz, puedo (exagerar y) decir que es uno de mis directores posmodernos favoritos.
Wright cuenta nuevamente con la tremenda dupla conformada por Simon Pegg (que también escribe) y Nick Frost (y otra vez Martin Freeman, y otra vez Bill Nighy...), y ahora además con Timothy Dalton, Jim Broadbent, una oculta participación de Cate Blanchett y cameo de Peter Jackson.

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El último subte prefiere a:

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De París je t'aime, me gustaron (unos más, otros un poco menos) los de: Alexander Payne, Alfonso Cuarón, Coen Bros., Vincenzo Natali, Gerard Depardieu y Gus Van Sant... es decir aproximadamente poco más del 30%... hay otros que son realmente imposibles, como el tercermundista de Salles o la ñoñez más grande que he visto en años que es el de los mimos de Chomet.

Ghost Rider parece un chiste y tal vez se deje ver si se la toma como tal. Si uno pretende tomarla apenas un poco en serio... bueno, ya se vuelve insoportable... como últimamente me está resultando Nicholas Cage.

Tenía ciertas expectativas respecto de 300, porque Zack Snyder es el responsable de la remake de Dawn of the Dead, que me gusta muchísimo. Pero la adaptación del comic de Frank Miller o, mejor dicho, de la "novela gráfica" como está de moda decirle a los comics "importantes" es, esencialmente, fea. Esa es la palabra que la describe a la perfección. La estética moderno-digital es fea y agobiante, el héroe no genera empatía ni pidiendo por favor y además grita todo el tiempo (y todo el tiempo es TODO el tiempo)... y si la construcción del héroe es fallidísima, esperen a ver al villano, una suerte de Dhalsim afrancesado (se acuerdan del Street Fighter ¿no?)... la escena de sexo es muy pero muy grasa... y toda la película parece ser un interminable y feo ralenti...

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Semana de sensaciones encontradas, semana de corridas, agotamiento y placer cinéfilo. Tengo la grilla, iré en busca del catálogo, y armaré mi cronograma. La única certeza que tengo es que veré la de Tsai-Ming Liang y que dedicaré el viernes por la noche a ver a Nacho Vegas... sobre el resto me gustaría escuchar recomendaciones.

Pueden bajar la grilla haciendo click acá si es que aún no la tienen.

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El comportamiento normal de un hambriento es la violencia, pero la violencia de un hambriento no es por primitivismo: la estética de la violencia, antes de ser primitiva, es revolucionaria, es el momento en que el colonizador se da cuenta de la existencia del colonizado. A pesar de todo, esta violencia no esta impregnada de odio sino de amor, incluso se trata de un amor brutal coma la violencia misma, porque no es un amor de complacencia o de contemplación, amor de acción, de transformación. Glauber Rocha. Estética de la violencia (1965).

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Podría justificar el posteo diciendo que extraño Cha Cha Cha, que fue lo único que me hizo reir en estos últimos días gracias a mi amigo Sebaclint que me pasó el link, que para parodiar hay que hacerlo así, que la charla sobre mi primer cortometraje se había agotado, y tantas otras cosas... pero tengo que terminar con esa manía de justificar todo.

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+ info en cinenacional.com

Mi primera vez.

Peguen sin miedo, esa es la idea.

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Por fin se le dio a Scorsese... y está bien. Si hubiera sido para Clint, también hubiera estado perfecto, pero esta vez le tocó a Marty. Ya era hora.

Sinceramente creí que iba a ganar Babel, ciertos antecedentes de la Academia me hacían suponerlo, pero por suerte me equivoqué y solo se llevó al Oscar por la porquería de música que hizo Santaolalla. Pero el tipo es argentino entonces todos tenemos que estar orgullosos, gritar "ole ole ole ole Santa Santa" y grabarlo hoy cuando salga en Telenoche.

Lo mejor de la noche fue, sin dudas, el musical de Ferrell, Black y Reilly. Para todos aquellos que padecieron, como yo, el lamentable doblaje de TNT, he aquí ese momento mágico en idioma original:

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Cuando la vida de un hombre presenta una unidad, esto se debe a su carácter. Uno es arrojado a las situaciones más diversas. Pero en cuanto a lo que podríamos llamar la melodía de la vida, está allí desde el principio; y hasta que el barco se hunda, como en el Titanic, se la sigue tocando, se repite exactamente. Esto es cierto para cada existencia, pero no todas las melodías son encantadoras. Ernst Jünger

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No es que The last samurai fuera gran cosa, pero lo cierto es que me había gustado y tenía expectativas respecto del nuevo film de Edward Zwick. No muchas, pero algunas. Bueno, si bien Blood Diamond no es lo que uno consideraría una película lamentable, está bastante lejos de lo que esperaba. A pesar de la belleza y las buenas actuaciones de Di Caprio y Connelly, la película se hunde por su indecisión. Por querer ser todo termina siendo casi nada. La fórmula sería algo así: Blood Diamond = denuncia político-social (pierde peso en medio de esta mezcla poco coherente) + aventuras-acción (muchas corridas, tiros y explosiones bien filmadas) + romance (a puro pianito y plano-contraplano corto) + amistad conflictiva B&W (exceso de lugares comunes)... y el resultado no es más que la simple suma de las partes, un híbrido inconsistente, demasiado verbalizado y bastante aburrido.

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Pensar que uno le pone tantas ganas al escribir y al final el volumen de visitas al blog aumenta gracias a los navegantes que googlean en busca de películas para bajar... si serán piratas che... se ve que el FBI no los intimida lo suficiente...

Tenía algo escrito sobre A Scanner Darkly y pensaba terminarlo para este post, pero como lo único que me importa es el raiting voy a dejar unos bonitos links para descargar la película en cuestión, con una bella calidad y unos ajustados subtítulos.

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Pass: www.freshwap.com

Subs: http://www.subdivx.com/X6XNTc2MTg8Xa-scanner-darkly-2006.html

Pero como prometí opinar, y soy un hombre de palabra, voy a simplificar la exposición de mis ideas y a expresar mi punto de vista, en unas breves líneas, solo acerca de algunas cuestiones puntuales:

- La animación: me parece que está claro que la utilización del rotoscope no tiene como objeto sorprender sino que es condición existencial del film. Sin la magia del rotoscope, A Scanner Darkly sería bastante difícil de digerir ya que no solo ameniza el carácter provocador y la densidad del discurso, sino que aporta una cuota más que importante a la construcción de este mundo esquizofrénico que tantos problemas tiene para discernir entre lo real y lo no real, o mejor dicho entre una realidad más o menos consensuada y otra alternativa, directamente vinculada a lo perceptual. Algo así como la forma generadora de la que hablaba Mitry, que tanto me gusta.

- El cast: creo que todos realizan grandes interpretaciones, pero si tengo que elegir... ni Downey Jr, ni el bueno de Keanu... yo me quedo con Woody Harrelson, y con Winona, claro, que derrocha elegancia y belleza como de costumbre.

- Felipe & Ricardo: el existencialismo cotidiano de Linklater se funde a la perfección con la atmósfera paranoico/apocalíptica del mundo Dick y el resultado es un gran film, coherente con la obra de uno de los grandes autores del "cine indie americano", de quien admiro por sobre todo, su confianza en el cine como medio de indagación acerca de nuestra propia existencia, nuestro mundo, acerca de la realidad o aquello que percibimos como tal. Y siempre de un modo más que agradable, a mi parecer, por supuesto.

Podría también hablar de los diálogos de A Scanner Darkly, que son un auténtico sello Linklater y que son, no solo una marca de estilo, sino una herramienta poderosa al funcionar directamente en relación a las imágenes, retroalimentándose, y nunca por fuera o encima de ellas; o también podría referirme a la recurrencia de planos cerrados que tanto ayudan a lograr el necesario clima de aislamiento y escasez de privacidad/libertad (que únicamente se obtiene mediante una reclusión con forma de monotraje)... pero hasta acá llego. Me cansé un poco y además dije que no iba a escribir.

PD: Como podrán ver, el título no tiene nada que ver con el contenido del post, pero era el que tenía pensado para lo ya escrito, en donde me enroscaba un poco hablando de las narraciones de Dick y sus rompecabezas, sus laberintos paradójicos, con personajes perdidos que pocas veces encuentran la salida al final de la historia.

IMPORTANTE: Yo no consumo películas pirateadas. Solo investigo a un grupo de delincuentes que sí lo hacen y esto es solo una trampa para ellos, para El amigo americano y sus secuaces.

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Mi relación "seria" con el cine comenzó en plena adolescencia. Fue alrededor de los 15 años cuando empecé a mirar películas compulsivamente y, en consecuencia, a intentar elaborar un discurso propio, una idea más o menos personal acerca del cine.
La característica definitoria de este período fue la propensión a mirar cine nacional "contemporáneo", es decir, miraba (casi) cualquier cosa que se estrenara llevando la firma de un director argentino. Fue así como llegué a mirar casi un 40% de los estrenos argentinos fechados entre 1995 y 2002, desde maravillas como Garage Olimpo hasta porquerías imposibles como No te mueras sin decirme a donde vas.
Paralelamente a esta "cinefilia nacionalista" (que, para peor, desconocía el gran período clásico del cine nacional), fui desarrollando cierta obsesión por el cine europeo y comencé a consumir cualquier film estrenado que proviniera del viejo continente. La condición necesaria que tenía que cumplir una película para que yo la mirara era que fuera "creíble", lo que derivaba en que yo preferiera ver un documental de 4 hs. acerca de la organización social del partido comunista de las hormigas coloradas filmada en plano secuencia dirigido por un bieloruso ciego antes que ver un alien en la pantalla.

A lo que quiero llegar es al rechazo que me producían en ese entonces las películas de corte fantástico. Mientras que toleraba las películas de terror siempre y cuando no presentaran monstruos o especímenes similares que "atentaran contra la seriedad del film", especial problema tenía con la ciencia-ficción. No entendía cómo la gente podía mirar apenas 10 minutos de algo que era imposible que sucediera en la realidad, o al menos en eso que vivía yo como realidad (aunque por aquel entonces no me lo cuestionaba, claro). ¿Naves espaciales? ¿Viajes en el tiempo? pfff... por favor, denme algo creíble, pensaba... estas cosas son para gente que no es lo suficientemente valiente como para hacerle frente a la realidad que vive y prefiere dejar volar su imaginación y escaparse a mundos imposibles, a refugios estúpidos, en lugar de pensar, de problematizar las cosas que pasan aquí en nuestro mundo. Me llevaría un tiempo darme cuenta que el único estúpido era yo.

Momento clave: Tenía unos 17 años y me aburría increíblemente en el cumpleaños de... alguien. Me aparté del grupo y fui a la cocina de su casa a mirar TV. Al encenderla me di cuenta que no funcionaban los comandos del aparato para cambiar de canal y que el control remoto no estaba por ningún lado. Estaba condenado: solo podría ver un canal en el que estaba comenzando una película con Arnold Swarzenegger!... decía llamarse El vengador del futuro (Total Recall). Y como no tenía nada más que hacer, la vi. Está claro que no es la mejor película de ciencia ficción de la historia, y que Paul Verhoeven no es un creador de obras maestras... pero Total Recall quedará marcada en mi memoria como ese momento en el que me di cuenta que mi postura "comprometida" no era más que una justificación de mis prejuicios ridículos o, mejor dicho, de mi incapacidad interpretativa. Estaba claro que más que comprometida, mi postura era decididamente snob. Poco después averigüé que este film estaba basado en un cuento de un tal Philip K. Dick... un completo desconocido para un lector de Eduardo Galeano como yo.

Fue a partir de aquel entonces que aprendí a no preocuparme tanto y comencé a disfrutar verdaderamente el cine (y la literatura)... y es el día de hoy que mis dos escritores de cabecera son Dick y el Sr. James G. Ballard, y que luego de ver un bodrio como La muerte del Sr. Lazarescu (sí, ahora me permito aburrirme con películas "importantes") debo llegar a mi casa y mirar Fantasmas de Marte para ser un poco más feliz.

Todo esto para prologuear mi próximo post, que dedicaré a A Scanner Darkly, una nueva gran película de Richard Linklater, basado en la obra maestra de Philip K. Dick.

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Un californiano de nombre Lucky McKee me dio la primer alegría cinematográfica del año. A este buen hombre lo conocí gracias a un muy buen episodio que realizó para la primera temporada de Masters of Horror, de hecho, uno de los mejores de la serie. Siguiendo el consejo tácito de diferentes bloggers conocidos y sus listas de fin de año, conseguí el segundo largometraje de McKee y me dispuse a verlo. No puede ser tan bueno como ellos dicen, de otro modo se hubiera estrenado, pensé por un momento... pero después recordé que una de las mejores películas del año que se fue (Kiss Kiss Bang Bang) tampoco se estrenó y que lo mismo sucedió con otros films de calidad (los dos de Linklater, el de Zwigoff, etc.). Que los distribuidores son unos estúpidos bárbaros no lo puede negar nadie. Que este es un gran film, creo que tampoco.

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Presumo que gracias a SY, nuestro conocido asistente de programación del canal, Retro tiene programado para el próximo sábado a las 13 hs., una de las más grandes películas de uno de los más grandes directores de la historia del cine, sino el más grande de todos: Two Rode Together (Dos cabalgan juntos), de John Ford.

Si bien este western de 1961 no está entre las obras más famosas del padre del género, es, a mi entender, uno de sus mejores films, o al menos uno de los que más me gusta. Lo relevante del caso es que Retro suele pasar buenas copias, lo que, para los que apreciamos esto, no es poca cosa.

Avisados quedan entonces, y yo aprovecho este post para rescatar nuevamente (y no me canso) la enorme figura de John Ford, como dijo Truffaut, uno de esos artistas que nunca pronuncian la palabra “arte” y de esos poetas que no hablan nunca de “poesía”.

Nota al pie: Por si no tienen cable, les dejo un elink para bajar un DVDrip (Xvid Ac3 Dual) de respetable calidad, widescreen, y otro para los subtítulos en español.

Feliz año para todos... y larga vida al western.

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Esto de las listitas ya se vuelve un tanto adictivo, más cuando no hace falta poner demasiado empeño en escribir algo al menos decente sino que uno puede simplemente decir dos boludeces, como por ejemplo "ahora llegó el turno de ellos, elegidos en función de su performance en las películas en las que participaron en este 2006", y poner la lista...

01. Leonardo Di Caprio (The Departed)









02. Olivier Gourmet (Le fils)









03. Daniel Hendler (Los Suicidas / Derecho de Familia)










04. Hugo Weaving (V for Vendetta)









05. Val Kilmer (Kiss Kiss Bang Bang)

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Según la Real Academia Española, mirar no es solo la acción de dirigir la vista a un objeto, sino también observar las acciones de alguien, registrar, tener en cuenta, atender, pensar, juzgar. Todo eso es mirar, y en torno a todo este subconjunto de acciones gira Friends with money (Amigos con dinero), el último film de Nicole Holofcener que, a pesar de venderse exteriormente como "una comedia con Jennifer Aniston" es, al igual que Viviendo con mi ex, mucho más que eso.

Detrás de la aparente simpleza reside una complejidad soprendente, una interesante reflexión sobre la amistad, la soledad, el sexo, el dinero... todo con justo humor y sin grandilocuencia o sensiblería barata, lo cual es posible gracias a la increíble capacidad de Holofcener para construir personajes, a su timing para la comedia, al innegable talento de su cast (¡qué hermosa y extraordinaria es Catherine Keener!) y, sobre todo, a la acertada e inteligente decisión de construir un ensayo alrededor de la complejidad de la acción de mirar, sin redundar y sobrecargar desde la puesta en escena sino a través de una mirada transparente y precisa que nos acerca naturalmente a los personajes, y nos permite intentar comprenderlos, prestarles atención, y nunca juzgarlos.

Creo oportuno aclarar que durante la proyección en el maldito Hoyts tuve que padecer: a un infante quejándose de que la película no era doblada al español (!); a otro infante inquieto, de la misma familia, pateandome la butaca cada 30 segundos; a una pareja a mi lado comiendo pochoclos, nachos y bebiendo gaseosa del modo más ruidoso que se pueda imaginar; a un estúpido (porque no cabe otro calificativo) que cuando sonó su celular decidió atenderlo y ponerse a conversar impunemente sin regular el volumen; y por último (esto es sólo una síntesis) a un tarado, de esos que les contaba hace un par de posteos, que aplaudió irónicamente al terminar la función. No estoy seguro, pero es muy probable que el estúpido y el tarado que les comento sean la misma persona.

En fin, todo esto para remarcar que, a pesar de haber padecido estas actitudes desagradables y molestas, Friends with money me gustó, y mucho.

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TIME (2006)

Dirección y guión: Kim Ki-duk. País: Corea del Sur. Año: 2006. Duración: 96 min. Género: Drama. Interpretación: Sung Hyun-ah, Ha Jung-woo, Park Ji-yun, Kim Sung-min, Kim Ji-hyun. Producción: Kim Ki-duk. Música: Noh Hyung-woo. Fotografía: Sung Jong-moo. Montaje: Kim Ki-duk. Diseño de producción: Choi Geun-woo. Vestuario: Lee Da-yeon.

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Todo comienza* con The Saddest Music in the World, de Guy Maddin. Viernes a la noche a sala casi vacía en el Arteplex (estreno del día anterior). Apenas unas 10 o 12 personas (including me and my partner). Los primeros planos ya me anticipan lo que no tardaré en confirmar: la película del canadiense es sencillamente hermosa, mágica. Un particular concurso convoca a todos aquellos que crean poder componer La canción más triste del mundo y quien lo organiza es la preciosa Isabella Rosellini que cautiva con la belleza de sus ojos tristes y sus largas (y frágiles) piernas de cristal rellenas de fresca cerveza. Todo huele aquí a cine clásico de los 30 y 40, y experimento una sensación placentera... me siento a gusto. No así la pareja de las papas fritas, sentada delante mío, que se levanta a los veinte minutos y parte en busca de otros rumbos. Más divertidos, según los escucho decir. Luego una dama solitaria detrás decide imitarlos y más tarde lo hace un matrimonio mayor que escapa balbuceando quejas e insultos moderados. Para el clímax del fuego musical, apenas somos cuatro personas en la sala. No sé si los cuatro sentimos lo mismo al salir, pero la sonrisa de felicidad melancólica, de plena satisfacción cinematográfica, es inocultable.

Algo similar, o de aún mayor caudal de escapistas, sucede cuando visito nuevamente la misma sala para ver la última película de Nobuhiro Suwa, Una pareja perfecta. Ahora es un sábado (semana de estreno también) y a sala casi llena. Puede que se vea favorecida por el tema (ruptura matrimonial) y por las estrellitas (deditos, clarincitos, whatever...) de los diarios, pero así y todo no entiendo la afluencia de público. Leí acerca de los antecedentes de Suwa y el tipo es todo un cineasta moderno, lo decían inclusive los artículos que vienen debajo de las calificaciones en los periódicos. Además la crítica de Leo D'Espósito en Terra dice que el film "requiere apertura emocional e intelectual y, sobre todo, espectadores adultos". ¿No estarás pidiendo mucho Leo? No creo que se refiera a la edad cuando habla de adultez, porque de ser así no se hubiera levantado nadie de la sala ya que el promedio de edad era bastante adulto. Tal vez la otra cuestión sea más apropiada para explicar el éxodo, digo, este tema de la apertura emocional e intelectual. Los extensos planos secuencia con cámara fija y encuadre expresivo y distanciador obligan a la participación de quien está en la butaca, requiere (¿paradójicamente?) que este se involucre para cerrar el sentido. A los diez minutos, después de dos o tres largos planos, comienza el murmullo y las risas burlonas. Intento no distraerme y focalizar mi atención en los hermosos y funcionales encuadres (está contando una separación, creo lógico que utilice sistemáticamente el fuera de campo, que insista sobre la ausencia del otro en el plano, etc.), en el perfecto clima que Suwa crea. Pero no hay caso, el hombre delante mío mira a su mujer, dice algo a su oído y ríen. A mi lado tres mujeres hacen lo mismo, una hace ruiditos con el celular y desde las filas superiores comienzan a bajar los que serán los inauguradores de la partida masiva. Van treinta minutos y así seguirá la cuestión hasta el final del film: gente que habla y ríe, otra que huye y algunos que intentamos mirar una película. Creo que a eso habíamos ido. Como si fuera poco, al salir de la función, está la gente de 791Cine (distribuidora del film) consultando a la gente por su opinión acerca de lo que acaban de ver. Todos responden, por supuesto, ofendidos, indignados. Un masculino adulto dice algo así como "tienen que cuidar la calidad de lo que venden, es muy mala esta película, tan aburrida..." y para fundamentar su juicio agrega "...se levantaron más de 15 personas de la sala". Me voy a acercar de dejar mi opinión, pero tengo mucha sed así que prefiero llegar rápido a un kiosco.
Entiendo que no todo el mundo comparta el gusto por el cine "poco convencional", es más, yo soy el primero en defender el cine de género y oponerme a la modernidad cuando esta viene vacía de ideas cinematográficas y repleta de pretensiones (no es el caso de UPP). Pero lo que no tolero es que esta gente no acepte que estamos los que realmente disfrutamos de películas como Una pareja perfecta, los que no nos aburrimos con un plano secuencia extenso, y que nos gustaría poder verlas en paz, sin comentarios fuera de lugar y risas estúpidas. Tal vez venga por este lado esa cuestión de la adultez que dice D'Espósito, y no sea solo cuestión de sumar velitas y arrugas.
Iba a seguir, pero prefiero dejarlo acá... ya me agité bastante y además tengo sed.

* En verdad comienza con Fantasma (y tal vez antes también... pero hay que tomar una referencia) pero de eso ya hablé. Luego continuaría en diferentes grados con Nacido y Criado -gran película- y Bienvenidas al paraíso -buena, pero no tan grande-.

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El domingo a la noche voy al Village Recoleta a ver Little Miss Sunshine, que no es más que otra comedia indie americana sobre familia disfuncional, apenas mejor que Thumbsucker (Impulso Adolescente) y un tanto más floja que The Squid and the Whale (Historias de Familia), otros estrenos de este año. El film no evita los clichés de este subgénero, y se apoya demasiado en el guión y las interpretaciones. Pero aquel es preciso y estas casi todas impecables (enormes Steve Carell, Greg Kinnear y Alan Arkin) y el tono es tan agradable que en definitiva la experiencia termina siendo feliz, aunque empalagosa para algunos. A mi parecer, LMS es una película simpática, lo que no es poco.

No entiendo cómo funciona el tema de la elección sobre qué se estrena en la pantalla grande y qué va directo a DVD. El sábado a la noche (madrugada del domingo) me armo programa doble en formato hogareño: Kiss Kiss Bang Bang (Entre besos y tiros) y Art School Confidential (El arte de la seducción). Estas dos muy buenas comedias (de Shane Black y Terry Zwigoff respectivamente) me hacen preguntarme acerca de este criterio de selección. Digo, se estrena cantidad de porquería cada jueves y pasan derecho a las bateas de los videoclubes películas increíbles. Según he leído, Talladega Nights, de Will Ferrell, también correría la misma suerte (la misma que corrió Anchorman en su momento). No entiendo.
En otra oportunidad le dedicaré un espacio mayor a la del gran Zwigoff, que me gustó demasiado.

Tengo ganas de ver Cara de Queso, así que me voy para el Complejo Tita Merello el sábado a la tarde, a compartir la velada con gran cantidad de chicas. Promedio de edad: 74 y medio. Después de los títulos que bien podrían ser de una tira de Pol-ka, me encuentro con una comedia costumbrista de costumbres (judías) de limitada gracia, con varios actores importantes (Federico Luppi, Mercedes Morán, Susú Pecoraro, María Vaner, Carlos Kaspar, Daniel Hendler, Nahuel Pérez Biscayart) que aportan su grano de arena a la construcción de la, a mi entender bastante fallida, ópera prima (almost biopic) de Ariel Winograd. Se suceden los gags y la gente se ríe un poco. Yo no puedo, no me surge. Así y todo el relato avanza sin molestar, amablemente digamos, pero sin que me interese demasiado tampoco. Le pone un poco de música Massacre (con los títulos finales hay un muy buen cover de un tema de Sergio Denis) y eso suma, como también lo hace el tono poco pretensioso y ameno del film, pero así y todo no colma mis expectativas y me es difícil recomendarla. No me alcanza, necesito más cine. Salgo de la sala y voy otra vez a la boletería: segunda vez de Los Suicidas. Una de las chicas que antes les contaba me imita, y ya vislumbro el desenlace: termina la película de Villegas y la lady se levanta indignada de la butaca, a insulto limpio contra lo que acaba de ver. Sale y le habla al acomodador, le cuenta lo molesta que está. Este le pregunta por qué no vio Cara de Queso. Porque si está Luppi no la veo, es un tipo desagradable, dice ella, además para cara de queso bastante tenemos nosotros, jaja. ¿Y qué películas le gustan? le pregunta el hombre. Ahhh, las de Sandrini y de ahora las que trabaja Darín con este otro, eh... el narigón ese tan gracioso, tan buen actor. Eduardo Blanco, le digo yo. Ese ese, como me gusta, me dice ella. Claro, le digo, la saludo y me voy.

No encuentro las palabras justas para contar lo que me causa el segundo opus de Juan Villegas, adaptación del libro del enorme Antonio Di Benedetto. Me gusta tanto que creo que no haría justicia al intentar expresarme al respecto. No alcanzarían las palabras. Tal vez después de una tercera vez pueda escribir algo... no sé. Sebaclint escribió en su blog una muy linda -y personal- reseña, que siento cercana en varios puntos por lo que los invito a que la lean. Lo que yo les digo es que Los Suicidas es una de mis películas del año, definitivamente, y que los chistes (pocos y secos pero efectivos) me causaron mucha más gracia que la comedia anterior. Ah, y como si fuera poco, además estimula mis ganas de hacer cine... ¿qué más le puedo pedir? Gracias Villegas.

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Mirar el río hecho de tiempo y agua

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El trailer ya auguraba lo peor, y yo, que no tenía nada mejor que hacer, fui a confirmar la sospecha. De las anteriores que vi de Sorín, solo me gusta un poco La película del rey, después con las otras dos (sus últimas dos) tengo serias diferencias que se acrecientan cada vez que me cruzo con ellas de casualidad en el cable. En El Camino de San Diego, como ya lo había hecho en Historias Mínimas y El perro, vuelve a explotar el recurso de la road movie con personajes humildes buenazos (casi boludos, digámoslo) -interpretados por no actores, por supuesto- que realizan un largo viaje (exterior aunque también interior) con una excusa mínima. En este caso, es la de llevarle a un Maradona enfermo (está situado en la época en la que Diego estuvo internado en la Suizo Argentina), el tronco/escultura en el que el viajante Tati Benítez ve representado a su máximo ídolo. Con sus únicos doscientos pesos (que ni siquiera son enteramente "suyos"), el motosierrista misionero recorre el camino que lo lleva desde su lugar de origen hasta Buenos Aires, mas precisamente hasta la quinta en Gral. Rodríguez. Y el tipo llega a destino porque en la ruta conoce gente de buen corazón, humilde pero íntegra, solidaria, que lo ayuda desinteresadamente. Ahora que digo (escribo) "destino", se me viene a la mente el aluvión de referencias a él y, por ende, a la fe, que hay en El camino de San Diego, y agradezco haber contado con una botella de agua en la función, porque de otro modo no hubiera tolerado lo empalagoso de tal sobredosis. ¿A quién quiero engañar? Ni así lo logré. Para que se den una idea: hay una "bruja" que predice el destino con un péndulo y le dice que tiene que viajar, un cura que dice que una rama no puede ser un mensaje de Dios y que no es más que una casualidad, y hay también otro cura, que sonríe todo el tiempo, y le dice a Tati que Dios tiene diferentes maneras de presentarse y, claro, una de ellas puede ser esa raíz con forma de futbolista. A no olvidarse del Gauchito Gil, que está más presente que el propio "San" Diego, desde el momento en que el protagonista se equivoca de micro y se sube a uno que lleva a los fieles a su santuario, donde conoce a su "compañero de aventuras" brasilero, un verborrágico y bonachón camionero, devoto de la virgen de Itatí. ¿Cómo cierra Sorín su collage de creencias? Con un vendedor ciego de lotería "La igualitaria", diciéndole a Tati que tiene una "corazonada" acerca del billete que le acaba de regalar (¿o pensaban que se lo iba a vender? acá se ve el buen ser humano)
Por supuesto que no falta el preciosismo paisajístico que provoca comentarios tales como "qué buena fotografía" (un paisaje de almanaque en el cine no quiere decir buena fotografía), la sobremusicalización tan característica de su cine que causó que un crítico que apenas conozco alguna vez lo haya tildado -acertadamente- de "grasa", y -otra vez- el recurso de los no actores que trae aparejado un desnivel insoportable en las interpretaciones.
Resumiendo, con El camino de San Diego, Sorín continúa entonces con su calculado sentimentalismo demagógico-publicitario, emocionando mediante un lacrimógeno mecanismo que podemos vincular tanto con la compasión como con la lástima, pero jamás con la empatía, poniendo otra vez a sus personajes en una gran pecera para que todos miremos desde afuera cómo los acomoda arbitrariamente (desde afuera también) y los usa para dar su visión del mundo, para que nos riamos de su torpeza y su inocencia, para que lloremos cuando Carlos quiere, y para que finalmente salgamos diciendo que el tipo tiene una habilidad bárbara para hacer películas con nada (léase: excusa argumental mínima y sin actores), que es un gran cineasta... y no sé cuantas barbaridades más.

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11 de Septiembre, 2001. Cuatro aviones fueron secuestrados. Tres de ellos alcanzaron su objetivo. Esta es la historia del cuarto.

¿Cómo hacer para abordar un tema tan delicado y no caer en la compasión, la sensiblería fácil y el golpe bajo? ¿Cómo no bajar línea siendo un suceso de tanta trascendencia política? ¿Cómo convertir esto en un film de suspenso y generar tensión sostenida a pesar de que todos sabemos el final de la historia de antemano? La respuesta: United 93. El responsable: Paul Greengrass.

Habiendo visto Bloody Sunday, ganadora del Oso de Oro en Berlín en 2002, no sorprende la capacidad del inglés para estructurar el relato en base a un guión preciso pero, sobre todo, confiando en la potencia de las imágenes. Aquella gran película que relataba los hechos ocurridos en Derry, Irlanda del Norte, el domingo 30 de enero de 1972, ya mostraba la capacidad del director para manejar con solvencia un registro semidocumental, cuya fuerza principal reside en la cruda y despojada exposición de los hechos, sin llegar por esto al mero rodeo informativo. Todo lo que se podía vislumbrar ya en aquel film, en United 93 Greengrass lo exhibe nuevamente, y ahora pulido, mas potente que nunca, con un relato de suspenso que no da respiro de principio a fin. El conocer previamente el desenlace de los acontecimientos no le quita tensión a la situación sino que, por el contrario, provoca aún más angustia, inquieta. Greengrass logra transmitir ese carácter urgente de los hechos por medio de una puesta en escena austera y a la vez precisa. No busca belleza o prolijidad donde no hay más que caos y confusión, la puesta en imágenes de esos hechos es certera, y a la vez movilizante. El director de The Bourne Supremacy, demuestra que sabe usar la cámara en mano, y que no se sirve del recurso para acreditar su condición de cineasta moderno, sino que justifica plenamente su elección al lograr expresar por medio de esta el nerviosismo y la inestabilidad de la situación. Los fuera de foco constantes y los desplazamientos bruscos hacen imposible centrar la mirada, buscar certezas donde no las hay. En United 93 no hay una interpretación maniquea de la realidad, no hay distinción dicotómica entre el bien y el mal, ni se demoniza a quienes secuestran el avión. Frente a la inminencia de la muerte, no sólo los pasajeros llaman para despedirse de sus seres queridos. La escena en la que todos rezan es terrible, extraordinaria. Paul Greengrass no juzga ni manipula, muestra, y entonces hace cine.

Hace un tiempo intentaba reflexionar acerca del modo en el que nos afectan emocionalmente las películas, y decía que, dependiendo del grado de compromiso que uno establece con las mismas, recibe un impacto emocional directamente proporcional a aquel. También decía que el efecto de choque no es un mérito de por sí y que no es suficiente para que el resultado final sea bueno o, aún más radicalmente, para que sea cine. Hoy, con seguridad, puedo decir que United 93 no solo es un gran golpe, contundente, sino un cachetazo de puro cine.

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Dijo Jack en una entrevista, hace apenas unos días, que está listo para grabar montones de discos. Lo que no dijo es si con The White Stripes o The Raconteurs. Por el bien de todos, esperemos que con ambas. Por lo pronto, el 19 de Septiembre en USA se verá un capítulo de los Simpsons en los que participan las versiones animadas de Jack y Meg, que son algo así:

El epílogo del post:

Bajar Broken Boy Soldiers (pass: www.bolty.us)

Ver algunos videos de The Raconteurs en la sección envideosos

Bonus track: Bajar Soundtrack de Broken Flowers, con The Greenhornes.

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Con Lady in the Water, Shyamalan se va al carajo, aunque esto no es necesariamente malo.

No soy fanático de J.R.R. Tolkien ni mucho menos. Es más, los libros de Lord of The Rings me han aburrido un poco (no así las películas de PJ). Sin embargo, no se puede negar que el tipo la tiene clara en cuestión de cuentos de hadas y relatos fantásticos. Es más, escribió un interesante ensayo titulado On Fairy-stories, del cual salen estas frases de las que me sirvo para intentar abordar la complicada empresa de expresar algunas ideas sobre Lady in the Water, una de las películas más raras del año.

"Ancho, alto y profundo es el reino de los cuentos de hadas y lleno todo él de cosas diversas: hay allí toda suerte de bestias y pájaros; mares sin riberas e incontables estrellas; belleza que embelesa y un peligro siempre presente; la alegría, lo mismo que la tristeza, son afiladas como espadas."

Si en The Village el límite con el ridículo era fino, en su última película está completamente desdibujado, y se reparten aún más las opiniones acerca de si esta vez el indio de philadelphia se pasó o no. Ahora bien, lo primero que hay tener en cuenta es que Lady in the Water es una fábula fantástica. No es un film de terror, ni tampoco de suspenso, aunque presente algunas características propias de estos géneros, es simplemente un cuento de hadas, es fantasía pura, aunque no haya dragones, hobbits o elfos, y aunque la historia no tenga lugar en un mundo alejado de la tierra. Lo que tiene de particular el cuento de Shyamalan, es que sucede en un edificio de departamentos y que aquí los héroes no tienen orejas alargadas ni filosas espadas sino que limpian piletas y cañerías, tartamudean, y enfrentan a sus enemigos con crucigramas y palos de escoba. Sí hay una ninfa, bestias feroces que la acechan, extrañas aves que la rescatan, y un oscuro bosque que circunda el terreno y representa el peligro latente. Y como no podía ser de otro modo en MNS, la puesta en escena es impecable, y es imposible no dejarse seducir por la belleza de cada plano.

"Lo único de lo que no hay que burlarse, si alguna burla hay en el cuento, es la misma magia. Se la ha de tomar en serio en el relato, y no se la ha de poner en solfa ni se la ha de justificar."

Como dice Leo D'Espósito en su crítica en Terra, a este cuento de hadas "hay que tomarlo con la seriedad y la ligereza que el género exige". Observación que considero aplicable tanto al espectador como al mismo realizador, y Shyamalan demuestra que puede abordarlo con la seriedad necesaria como para no burlarse de la misma magia (ni tampoco justificarla) y con una bienvenida ligereza que permite pasajes realmente muy graciosos. El más claro ejemplo de esto último es, sin duda, la burla al personaje del crítico cinematográfico y literario, un pedante Bob Balaban, que es puesto en ridículo una vez tras otra. Por otra parte, no es extraño que MNS se burle de la crítica que tan mal lo ha tratado -injustamente- por sus últimos films, y además tampoco está mal. Al contrario, es divertido y me hizo reír mucho.
Lo que no me causó mucha gracia fue el personaje interpretado por el propio Shyamalan, ni gracia ni simpatía. No porque sea desagradable el escritor que compone sino porque me irritó bastante tener que verlo a él allí, cuando creo que ese papel podría haberlo interpretado algún otro, y mucho mejor. Me parece que no era necesario. Aunque... está el gran Paul Giamatti y es casi imposible hacerse demasiado problema por algún otro actor teniéndolo a él en pantalla.

"Crear un Mundo Secundario en el que un sol verde resulte admisible, imponiendo una Creencia Secundaria, ha de requerir con toda certeza esfuerzo e intelecto, y ha de exigir una habilidad especial, algo así como la destreza élfica. Pocos se atreven con tareas tan arriesgadas. Pero cuando se intentan y alcanzan, nos encontramos ante un raro logro del Arte: auténtico arte narrativo, fabulación en su estadio primario y más puro."

Osada, bella, extraña, bizarra, imaginativa... no apta para adultos (en el peor de los sentidos que pueda otorgarse al término). Algo de eso es Lady in the Water.

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¿Es tan mala como dicen los amigos Sebaclint y Chicle Cosmos?
Definitivamente, es mala en todos los sentidos. O sea, el humor no solo es malo porque los gags carecen de gracia alguna sino que rebalsa de maldad para con sus personajes. Sistemáticamente se ríe "de" y nunca "con". Es decir, lo peor no es que sea una mala película, sino que disfrute de serlo.

¿Se podía esperar algo de los guionistas de Todopoderoso?
Claramente no, y el argumento de Click no dista demasiado de aquella comedia sin gracia protagonizada por Jim Carrey (aunque con un gran Steve Carell). Tenemos a un protagonista que por gracia divina se encuentra con un poder absoluto, al principio lo disfruta, luego quiere deshacerse de él, y al final del camino aprende a ser una mejor persona. Aaaaahhhhh!!!

Pero no puede ser tan mala, ¿no la dirige Frank Coraci?
Sí, y tal vez se podía esperar algo de la dupla Sandler-Coraci, responsables de The Waterboy y The Wedding Singer, pero no... no hay un sólo punto de contacto entre aquellas enormes películas y esta cosa. Por algo a Sandler en algún momento se le cruzó por la cabeza que la dirija Campanella.

¿Qué? ¿Nuestro Campanella? ¿Ese pelotudo que me obliga a emocionarme?
Sí, así es... porque me olvidé de decirles que después de una primera mitad de humor malo, viene lo peor: la lección de vida. Y para esto JJC hubiera servido, porque de enseñar a vivir y de golpes bajos sabe mucho. En base a eso ha construido sus grandes éxitos.

Es Adam Sandler, no Eduardo Blanco, ¿no te estás yendo a la mierda?
Ya sé, suena exagerado, y llegar a vincular a uno de mis actores favoritos con uno de los directores que más detesto es un punto al que jamás pensé que iba a llegar, pero Adam hizo Click.

¿Y de qué la juega Frank Capra en todo esto?
Ojalá hubiera algo más de Capra que una simple y mala reescritura de Qué bello es vivir, en la segunda mitad del film. Como dicen todos sus detractores, no hay rasgos de siquiera haber comprendido aquella obra maestra, y lo único que se hace es acumular clichés y golpes por debajo del cinturón, que confirman que Sandler "creció", y lo perdimos.

¿Está mal crecer?
Y, en este caso sí, porque no hablamos del crecimiento como un salto cualitativo, sino que aquí tiene que ver con una postura ante el mundo. Sandler maduró y se volvió "serio" y pretencioso. Ya no le alcanza con hacernos reír con ese extraordinario humor infantil e inmaduro, ahora está grande, se ríe de la gente y nos quiere enseñar a vivir.

Uh...¿y lo perdimos para siempre?
Lamentablemente uno cree que sí, la dirección que ha tomado Adam en esta película (y en alguna de las últimas) nos hace pensar que no hay vuelta atrás, que el tipo está demasiado maduro y que ahora lo suyo son las comedias sensibleras y con moraleja. Ojo, espero equivocarme.

¿No se puede hacer nada al respecto?
Lo único que podemos hacer es mirar Happy Gilmore, Mr. Deeds, Big Daddy, Little Nicky o cualquier Happy Madison Production, y tratar de olvidarnos que existe Click. Ni el Sandler campanellizado ni nadie nos van a sacar esas grandes comedias.

¿Algo más?
Sí, por favor Adam, más Attaque77 y menos Arjona.

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No tengo demasiado tiempo ahora para escribir sobre V de Venganza de la manera que me gustaría, y que se merece. Por lo tanto, no voy a decir nada. Espero poder hacerlo como corresponde en un futuro inmediato. Simplemente, dado que la considero una de las películas del año, quería ofrecerle la posibilidad de que la vea a todo aquel que se haya perdido este gran film.
Una alternativa -la legal- es recurrir al videoclub amigo, ya que la semana pasada salió en dvd. Es la mejor, obviamente, pero no es la única. La otra posibilidad está, por supuesto, en Internet. Fuera de lo que es el mundo de la mula, el cual no manejo, y del torrent, donde me siento un tanto más cómodo... hay una sencilla forma que es la descarga directa.

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Voy a empezar a difundir el plan que propone todas las semanas, un conocido amante del cine en su reducto del barrio de Congreso. Los días lunes por la noche (21 hs), la propuesta es Cine Clásico Americano de los '40 y '50. Después de la proyección se conversa un rato y se hace un poco de historia del cine. Ayer el film proyectado fue The Crimson Pirate (1952), de Robert Siodmak. Los miércoles, a la misma hora, el amigo proyecta un film dando a conocer de antemano las iniciales del director, pero no el título. Para los que gustan de las sorpresas. Los viernes hay doble función: a las 20 hs. y a las 22.30 hs. Este día alterna entre estrenos y no tan estrenos.

Para lo que resta de la semana, tenemos esto:
- Miércoles a las 21 hs. - Director: F.L.
- Viernes a las 20 hs. - Pulse (2001), de Kiyoshi Kurosawa
- Viernes a las 22.30 hs. - Inside Man (2006), de Spike Lee

Una gran pantalla, un buen proyector y buenas copias (dvd), cómodos asientos, clima cálido y amistoso... precios módicos. Una linda propuesta para todo buen cinéfilo porteño (o de zonas aledañas). Todo aquel que esté interesado en asistir a alguna de las funciones, o bien a todas ellas, no tiene más que enviar un mail a xtracine@yahoo.com y estará recibiendo la información necesaria a la brevedad.

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Sinceramente no me percaté del estreno de Mi verano de amor. Recién la tuve en cuenta el lunes, después de haber leído la crítica de Juan Pablo Martínez en EA, y cuando vi que el horario y la sala encajaban perfectamente con mis planes del día. La historia gira en torno a dos adolescentes que se hacen amigas un verano y atraviesan juntas su despertar sexual... argumento que me suena de alguna otra película, o tal vez de varias. La última experiencia de temática similar la tuve este año en el Bafici, con el film turco Two Girls y no fue para nada placentera. Sin embargo, lo que esperaba fuera un cliché, terminó resultando un film bello, agradable y a la vez cargado de una bienvenida dosis de misterio.
Mona y Tamsin se conocen en un pequeño pueblo del norte de Inglaterra y encuentran la una en la otra, la vía de escape al incómodo mundo en el que viven. Mientras que la primera convive con su hermano ex-convicto -convertido ahora en fanático religioso- en un bar devenido depronto en reducto místico, la segunda goza de las comodidades de la buena vida aunque padece el vacío que esta situación le genera. Por supuesto, clara ausencia de padres en ambos casos. Literal en uno, simbólica en el otro. La primera parte del film se encarga de presentarnos a las protagonistas, de oponerlas, y al mismo tiempo acercarlas, construyendo poco a poco una verdadera historia de amor que trasciende edades y sexo. En el segundo tramo, cobra protagonismo Phil, el hermano de Mona, y la película de Pawlikowski gana en misticismo y comienza a cobrar un tono más oscuro que continuará hasta el desenlace. De todas maneras y, a pesar de que ciertos reveses de la historia pueden leerse como un tanto arbitrarios, el director nunca descuida la relación entre las chicas y es por eso que el resultado termina siendo satisfactorio.

El gusto por la belleza
Como decía al comienzo, Mi verano de amor es además una película bella. Los paisajes del norte de Inglaterra, fotografiados notablemente por Ryszard Lenczewski, son visualmente cautivantes. Nathalie Press y Emily Blunt no solo son dos grandes actrices en potencia sino que además son muy lindas, y sus cuerpos y rostros aportan una enorme cuota de sutil sensualidad. La música de Goldfrapp no hace más que acentuar ese clima de bella y delicada oscuridad presente en el film. Tanto en lo antes descripto como en el comportamiento de la cámara (reencuadres mediante zoom, etc.) y demás elementos de la puesta en escena, se puede ver claramente en la película toda una búsqueda de estilo que nunca se independiza de la diégesis, que nada tiene que ver con el preciosismo visual gratuito, sino que es completamente funcional al relato y le aporta lo necesario para transformar este transitado argumento en una buena película..

Trailer

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Recuerdo que antes de salir para el cine, le comenté a un amigo de qué se trataba mas o menos la película y me dijo "pero vas a ver un montón de problemas, ¿por qué no ves la de los piratas o alguna de esas?". Cuando salí del cine y me sentí absolutamente desestabilizado por lo que acababa de ver, sus palabras retumbaban en mi cabeza. Había sentido algo similar cuando hace unas semanas fui a ver Lighting over Water, de Wim Wenders. La angustia que me producía la muerte de Nicholas Ray, y la forma en la que el director lo mostraba, alteraban completamente mis sensaciones e hicieron que el film tardara en asentarse. Necesité bastante tiempo para poder "disfrutarlo". Cuando terminó Tarnation me quedé sentado un rato, mirando como salían de la sala las otras doce o trece personas y reflexionando sobre cómo nos afectan emocionalmente las películas (al menos "a quienes lo vivimos así", como diría un amigo). Algunas lo hacen más implícitamente, como los films clásicos y sus derivados, y hay otros que apelan directamente a las sensaciones. En este último grupo se inscribe Tarnation en cierta manera y lo hace más decididamente Samoa, uno de los estrenos del día de ayer. El nuevo film de Ernesto Baca (Cabeza de Palo) es una travesía onírica que invita a deshacerse de las estructuras y a dejarse se llevar por las imágenes que destilan belleza (rodadas en Super 8 y ampliadas a 35 mm) y emocionan a todo espectador lo suficientemente sensible como para dejarse seducir por ellas. No hay más palabras que puedan resultar apropiadas para comentar esta película. Solo puedo decir que no es un film dirigido a intelectualoides que pretenden encontrar el sentido trascendental de la vida detrás de cada plano, sino más bien lo opuesto. Es decir, no hay nada que pensar, nada que entender en Samoa. Solo es cuestión librarse de las ataduras convencionales, ver y sentir. Lo dice alguien que ama el clasicismo y que en la misma semana que vio estos dos films, disfrutó Vecinos Invasores y va a ver "la de los piratas".
Tarnation y Samoa son dos películas completamente diferentes en muchos aspectos. Cabe destacar el más importante: mientras que la primera cuenta la difícil historia de Johnattan, o sea, es más argumental, la otra no tiene hilo narrativo alguno y es una sucesión de imágenes que dan forma a una experiencia con gusto a sueño. Sin embargo, creo que las vincula en algun punto el hecho de que ambas apuntan explícitamente a las sensaciones, buscan conmover, y no como Luna de Berazategui o porquerías similares (no se trata del "te vas a emocionar"), sino que el "éxito" de ambas propuestas reside en la capacidad que tenga el espectador para dejarse afectar. En fin, me parece entonces que no tiene que ver tanto con el tema o el tono de la película, sino más bien con el grado de compromismo que uno establece con esta, con como uno permite que altere sus emociones. Tal vez no sea tanto cuestión de ver, sino más bien de vivir las películas, de vivir el cine.
Eso es lo que a mi me parece, digo, por lo menos así lo vivo yo.

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No hace ni un mes que terminó la catarata de westerns en el Malba, y ahora ya nos desayunamos con otra extraordinaria noticia: el canal de cable Retro (ex Uniseries) ha decidido dedicar todo el mes de agosto a la proyección de films pertenecientes al género épico por excelencia. Un exhaustivo recorrido que va desde Edwin Porter, D.W. Griffith y William S. Hart hasta Sergio Leone y Clint Eastwood, pasando por nombres infaltables como John Ford, John Wayne, Sam Peckinpah, Howard Hawks, John Huston, Anthony Mann, entre muchos otros...
El frío no es excusa, ahora ni siquiera hay que salir de casa para disfrutar del cine en su máxima expresión.

Ver recomendaciones y programación completa

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Juan Pablo Rebella

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Fabián Bielinsky

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Yo creo que el cine es un arte mucho más difícil que los demás. Es más
difícil hacer una película que una novela, por ejemplo. Una novela siempre
es una novela, mientras que en el cine uno puede tener la intención de hacer una película, llegar al final y encontrarse con que no hay película.

F. Truffaut ('Film Ideal', 220-221)

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Otro videasta extraordinario es el Sr. Spike Jonze, quien también ha incursionado en el cine (con un poco más de suerte que Gondry) y es responsable de películas como ¿Quieres ser John Malkovich? y El ladrón de orquídeas, films altamente recomendables -sobre todo el segundo. Como si fuera poco, ha dirigido una gran cantidad de comerciales y videoclips, y todos y cada uno de ellos dan muestras de su inagotable imaginación y talento. Él es, el enVideoso de la semana.

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Quien sino Michel Gondry, podía ser el primer "Director de la semana" en la sección enVideosos. El francés es, a mi entender, el más brillante de todos los realizadores de videoclips y comerciales. Su obra se caracteriza principalmente por la innovación visual, como así también por una muy inteligente manipulación de la puesta en escena.
Su carrera como realizador comenzó con la dirección de videos musicales para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual también era baterista, y continuó luego con gran cantidad de videos para varios de los artistas más importantes de la escena del rock y el pop mundial. También ha probado suerte en el cine (Human nature, Eternal Sunshine of the spotless mind), aunque con resultado desparejo.

Post#1: - Radiohead, Knives Out - Bonus track: Levi's Ad.

Post#2: - Björk, Human Behaviour

Post#3: - Cibo Matto, Sugar Water

Post#4: - Whites Stripes x3

Etiquetas: envideosos

El Último Subte no para de crecer e inaugura una nueva sección que, como su nombre lo indica, estará dedicada exclusivamente a la exhibición de videos. El material constará principalmente de videoclips, cortometrajes y publicidades de directores consagrados, incluyendo algunas curiosidades a las que generalmente no se tiene fácil acceso.
Cada lunes, enVideosos comenzará la semana dedicada a "X director o tema" con el post de 1 video y, durante el transcurso de esta, se irán agregando más en la misma sección.
A partir de el lunes 5 estaremos empezando con esta metodología, pero inauguramos hoy con una entrega inicial muy especial, que incluye 3 videos. Son más precisamente los tres cortometrajes que dirigió Martin Scorsese antes de su ópera prima. Material de antología.

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Termina mayo, empieza junio y, como todos se habrán dado cuenta, se viene el mundial. Sin embargo, no todo se trata del deporte más lindo del mundo en los días que vienen y no todas las pantallas grandes estarán dedicadas exclusivamente a los partidos de Alemania 2006.
La de malba.cine, por ejemplo, nos trae una maravillosa propuesta, apta tanto para aquellos que no gustan del fútbol, como también para los que quieran alternar pelota con buen cine. A partir de mañana 1° de junio y hasta fines del mes de julio, podremos disfrutar (en fílmico!) del cine en su forma más auténtica, 80 films pertenecientes, como diría Bazin, al "cine americano por excelencia": el western.

Cinco de los muchísimos films imprescindibles presentes en la programación:
- Más corazón que odio (The searchers, 1956), de John Ford
- Pasión de los fuertes (My darling Clementine, 1946), de John Ford
- Río Bravo (1958), de Howard Hawks
- La pandilla salvaje (The wild bunch, 1969), de Sam Peckinpah
- Yo maté a Jesse James (I shot Jesse James, 1948), de Samuel Fuller

No es una oportunidad que se presente todos los días, y recomiendo fervientemente no dejarla pasar.

Horizontes lejanos - La vuelta al western en 80 films
Ver la grilla completa

Y si de western y John Ford hablamos, no está demás comentar que la revista Leer Cine estará dictando, durante el mes de julio, un curso dedicado a la extraordinaria obra del "maestro de los maestros". Las clases tendrán lugar los lunes de 20 a 22,30 hs. y estarán a cargo del crítico y director de cine Santiago García, voz más que autorizada en la materia.

Dirigido por John Ford - El cine con mayúsculas
Ver toda la información

El Último Subte se lanza a la conquista del oeste!

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X-Men: La batalla final (X-Men: The last stand / Estados Unidos / 2006)
Dirección: Brett Rattner. Intérpretes: Hugh Jackman, Halle Berry, Ian McKellen, Famke Janssen, Patrick Stewart.
ESTRENO - Ficha técnica. ¿Dónde verla?
Puntaje: 7 (tal vez un poquito menos)
.
Para empezar, vale decir que si uno quiere acercarse al mundo mutante de los X Men, no es recomendable comenzar por esta tercer entrega de la saga. Recomiendo fervientemente visitar las dos primeras partes, no sólo porque son imprescindibles para entender el desarrollo de la acción, sino por su indudable superior calidad.
X Men: La batalla final es la primera sin Bryan Singer a la cabeza, abocado ahora al regreso de Superman. Quien se sienta en la silla del director en esta oportunidad es Brett Rattner, tal vez conocido por las flojas Dragón Rojo, Hombre de familia o Rush Hour. Tal cambio tiene sus -predecibles- consecuencias negativas, aunque el resultado es de todas maneras satisfactorio.
Sin duda, el punto más fuerte del film son las escenas de acción. Impecables desde el diseño y la realización visual (incluída una enorme catarata de efectos especiales, muy al tono) e irreprochables en lo referente al despliegue físico de los actores, estas hacen que el film valga la pena. La secuencia final (la invasión a la isla de "Alcatraz") es excelente, y nos trae además a un Wolverine en todo su esplendor.
Ahora bien, si lo anteriormente mencionado es evidente, es tanto o más claro que la debilidad principal de X Men: La batalla final se encuentra en el guión. Si no es suficiente con hacer desaparecer "mágicamente" a varios personajes de las entregas anteriores (Night Crawler, o el mismo Cyclops), se introduce injustificadamente a otros (demasiados) de escaso peso dramático y carentes de atractivo alguno, que además entorpecen el desarrollo de los personajes principales (siendo Angel el paradigma y Beast la extraordinaria excepción).
Ah, la historia de la película es esta: unos científicos descubren la aparente "cura" para la "enfermedad" de los mutantes y estos, en defensa de su orgullo y haciendo valer su condición de "diferentes" se oponen al descubrimiento. El enfrentamiento surgirá a raíz del modo que tiene cada uno de los bandos mutantes de enfrentar la cuestión. Mientras Magneto y los suyos optarán por una postura casi terrorista, los liderados por The Professor preferirán las vías democráticas, lo cual derivará en "La última batalla" que, por supuesto, no será la última.
El mensaje en favor de la tolerancia y la metáfora política no son lo que uno llamaría sutilezas, y algunos diálogos demasiado explicativos pueden resultar irritantes. Pero así y todo, X Men: La batalla final resulta un film efectivo en el que, por encima de todo, el entretenimiento está garantizado.

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Después de padecer El Fiasco Da Vinci y ver a Tom Hanks haciendo el peor papel de su vida, creí oportuno iniciar una nueva sección en El Último Subte cuyo primer post sirviera para reivindicar la figura de este gran actor californiano. Había pensado en una reseña sobre su filmografía destacada, para inaugurar los Dossiers. Pero pensándolo mejor, y revisando la programación del cable para lo que resta del Mayo y Junio, cambié de opinión.
Sí, tenemos una nueva sección en EUS pero no son los Dossiers (aún), sino Prendé la TV. Tanto Tinelli y Oreiro le dan ganas a uno de no hacerlo, pero creanme que de vez en cuando hay cosas que valen la pena.
Mr. Hanks no necesita que nadie lo reivindique, puede hacerlo solo. Para eso están estas siete películas (que datan de los primeros quince años de su prolífica carrera), las cuales podremos disfrutar en estos días en la pantalla chica.

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Con 208 copias (imponiéndose casi violentamente, lo que impidió que estrenaran otras películas), y en medio de una inconmensurable movida de prensa/marketing, llega a nuestros cines El Código Da Vinci, adaptación del -ultraleído y polémico- libro de Dan Brown. El director del film es Ron Howard (Apollo 13, Una mente brillante) quien, sin ser un gran cineasta, siempre ha plasmado en sus films cierto grado de profesionalismo y oficio. No es este el caso. El Código... parece un film hecho sin ganas y, aún peor, sin el más mínimo sentido cinematográfico. Da la sensación que director y productores se juntaron y dijeron: "vamos a filmar el libro". Y eso hicieron, poblaron la pantalla de palabras, diálogos en los que los personajes explican cada una de las cosas que van sucediendo, subestimando así al espectador y quitándole toda posibilidad de discernimiento propio.
Los personajes, desdibujados y faltos de relieve, no logran transmitir absolutamente nada. Nos explican tanto, nos dejan tan afuera del film que realmente no nos importa si consiguen o no lo que buscan, y parece que a ellos tampoco. Tom Hanks y Audrey Tautou conforman la pareja protagónica menos carismática del año, derrochando inexpresividad y falta de entusiasmo. Además, los flashbacks que remiten al pasado de los personajes parecen reconstrucciones baratas creadas para un documental biográfico de televisón y las imágenes históricas son propias de un juego de guerra medieval de computadora. Sí, a ese nivel.
El Código... termina siendo entonces un thriller que no entretiene, sin emoción, sin nervios, sin suspenso creciente... sin thriller, sin nada. Tal vez los fanáticos del libro lleguen a disfrutarlo (aunque no creo que esta sea la palabra correcta), dado que lo respeta -casi- al pie de la letra. Pero esto es -o debería ser- cine y aquí tal cosa no es considerada un mérito ni mucho menos. Estamos hablando de cosas diferentes, de otro lenguaje, de otros códigos. Si, como dice el protagonista en el comienzo del film, una imagen vale mil palabras, uno se pregunta por qué no pudieron ser consecuentes con tal afirmación y, mas bien contradiciéndola, terminaron haciendo este bodoque literal de 150 minutos de recitado explicativo y aburrido, que tan lejos está del mismo cine.

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Eros (Estados Unidos, Italia, Hong Kong... / 2004)
Dirección: Wong Kar-wai (La mano), Steven Soderbergh (Equilibrio), Michelangelo Antonioni (El peligroso filo de las cosas). Intérpretes: Li Gong, Chen Chang, Robert Downey Jr., Alan Arkin, Regina Nemni, Luisa Rainieri.
ESTRENO. Ficha técnica. ¿Dónde verla?
Puntaje: 4 (promedio) - La mano: 8 - Equilibrio: 3 - El peligroso filo...: 2
.
Tres directores de trayectoria se reúnen para hacer un film en tres episodios, bajo la premisa implícita que se desprende del título. Pero de erotismo en Eros hay poco y nada y, en lugar de seducir, la película más bien termina causando lástima.
Lo de termina es literal porque, como si fuera poco, el último episodio es el peor de todos. El otrora respetable realizador italiano Michelangelo Antonioni (Blow-up, La noche, etc.) le pone la firma a este segmento titulado El peligroso filo de las cosas, por demás aburrido y absolutamente huérfano de sentido. La mente responsable detrás de cámara, sea MA o no (porque vale aclarar que está muy viejo y enfermo), se esfuerza constantemente en quitarle el poco erotismo que podría desprenderse de las imágenes y termina consiguiendo que al final nos de lo mismo si las que corren por la playa son mujeres o gaviotas.
Soderbergh no sorprende y nos trae Equilibrio. Un sketch publicitario tan cercano a lo teatral como alejado de lo verdaderamente cinematográfico, iluminado y encuadrado prolijamente, en el que un psicoanalista (Alan Arkin) se divierte en su propio mundo mientras su paciente (el gran Robert Downey Jr.), en el diván, le relata sus penas. Muy poco eficaz en su intento de causar gracia y menos aún respecto del objetivo principal.
El episodio dirigido por el gran Wong Kar-wai (La mano) es el único que realmente vale la pena. Aunque utilizando una fórmula probada (Con ánimo de amar), el taiwanés saca a relucir su elegante fotografía en un relato romántico-melancólico-erótico al que, sin ser extraordinario, le sobra para ser lo mejor de esta fallida película.
Como si fuera poco, Caetano Veloso cantando en italiano y unos dibujos "eróticos" que parecen salidos de un documental sobre el Kamastura de Canal Infinito hacen las veces de separador.
Realmente es una propuesta poco interesante, más que nada considerando que las copias son en DVD... aunque evaluando los estrenos de esta semana y dado que uno se puede levantar de la butaca después del de WKW...

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Con tres años de retraso llega a la pantalla grande (luego de pasar por el festival de Mar del Plata en 2005, por las bateas de los videoclubes clandestinos, y hasta por un canal de cable codificado) Alta Tensión, de Alexandre Aja, director de la recientemente estrenada El Despertar del Diablo.
Aunque su ópera prima (no estrenada en nuestro país) sea una adaptación de un cuento de Julio Cortázar (Graffiti), estos últimos films -y los anunciados- sirven para colocar la filmografía de este joven realizador francés dentro del llamado cine gore.
El término "gore" significa -en castellano- "sangre", y esa sola palabra ya es harto ilustrativa de este derivado del horror. Sin embargo, no todo pasa por mostrar desemembramientos y litros de sangre por doquier, aunque Aja así lo crea.
El inconsistente argumento gira en torno a dos jóvenes que se van estudiar al campo, a la casa de una de ellas, y allí son acechadas por un brutal asesino en el medio de la noche.
Ya en el comienzo del film, un diálogo de lo más trivial nos anticipa la gran "sorpresa" del final, que no es más que una de esas vueltas de tuerca cancheras tan características del cine de los últimos años. Pero antes de llegar a ese desenlace, debemos tolerar que el director nos lleve a naufragar con él por un mar de dudas y reiteraciones, carente de auténtico terror o algo parecido al miedo. Pero rojo, eso sí, bien rojo.
Grandes obras gore como La Masacre de Texas (1974) de Tob Hooper, Posesión Infernal (1982) de Sam Raimi o Pesadilla en Elm Street (1984) de Wes Craven, muestran a las claras la diferencia entre entender el funcionamiento del género y aprovechar los recursos que brinda, y simplemente explotar estos vacuamente, sin una sola idea que lo sostenga. Después de ver Alta Tensión, uno nota claramente que Aja no entiende nada.

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No es De Palma, tampoco John Woo, pero hay que reconocer que a JJ Abrams le salió bastante bien. Aunque lejos del oscuro suspenso de M:I I y del lirismo coreográfico de M:I II, la tercera parte de la saga es un logrado thriller de acción y aventuras de pura adrenalina que no da respiro, apoyado más que nunca en la figura de Tom Cruise (actor-productor para la ocasión).
El - retirado- agente Ethan Hunt se ha enamorado y está a punto de casarse con la bella Julia cuando uno de esos encriptados llamados tan característicos de MI irrumpe en su calma vida. Cuando se entera que la misión es rescatar a uno de sus discípulos, más precisamente a Lindsey (Keri "Felicity" Russell) -su preferida-, Ethan acepta el desafío y vuelve a las andadas. De aquí a Berlín, a Roma, y de ahí a Shanghai hay un solo paso.
El diseño y la realización de las escenas de acción es impecable y la actuación de Tom Cruise, sublime. Corre, salta, lucha, dispara... siempre con un grado de credibilidad tan grande que le dan a uno ganas de entrar y ayudarlo, porque parece que realmente está sufriendo. El villano Owen Davian, interpretado extraordinariamente por Philip Seymour Hoffman, constituye el contrapeso perfecto que le da al film el ritmo y clima necesarios para justificar el desparramo visual y sonoro que arma el director. En este rubro es donde Misión: Imposible III cumple con creces.
Creo que otro punto para destacar (en contra de quiénes lo consideran un paso atrás) es la humanización del héroe, la presentación de un conflicto entre su vida privada y su oscuro mundo profesional. Si el trabajo de Ethan Hunt como agente secreto del FMI podía verse claramente como eso -un trabajo- en las primeras dos películas, en esta Abrams (o Cruise, vaya uno a saber) decide darle al protagonista motivos más personales para llevarlo a la acción.
Hunt toma la decisión de aceptar la misión que le proponen luego de escuchar la voz de Lindsey en un sueño. Puede que exista en él un deseo por volver al ruedo que vaya mas allá de este suceso, pero sin dudas su conciencia es clave. Luego, una vez que fracasa en la misión de salvarla, parece buscar venganza al tratar de capturar a Davian en el Vaticano.
Por último -y lo más importante-, es su mujer la que se ve amenazada por el temible villano y es por este motivo que nuestro héroe irá hasta las últimas consecuencias para rescatarla, por amor. Amor por una inocencia que se va desvaneciendo al ritmo de cada disparo de Julia en la última escena de acción del film.
M:I III puede tener algunos baches narrativos, puede sonar a egolatría de superestrella y puede no ser (no es) una obra maestra como las dos pimeras entregas. Sin embargo no deja de ser un muy buen film, por demás entretenido y, fundamentalmente, con Tom Cruise.
Motivos sobran para brindar con un buen balde de pochoclos y dejarse llevar por el suspenso y la acción.

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Una vez más el cine argentino decide abordar el tema de la dictadura. Transitar este camino implica siempre un gran desafío, más que nada cuando los antecedentes arrojan resultados tan poco felices (salvo imprescindibles excepciones como Garage Olimpo y Los Rubios). Esta vez es el turno de Adrián Caetano, uno de los pilares del Nuevo Cine Argentino, que gracias a la utilización de sus propias armas -haciendo lo que mejor le sale- logra salir (más que) bien parado.
Caetano toma como punto de partida para su nuevo film, el libro en el que Claudio Tamburrini -uno de los protagonistas de la fuga- cuenta con detalle lo sucedido la noche del 24 de Marzo de 1978 cuando, junto con otros tres compañeros, lograron escapar del centro clandestino de detención conocido como Mansión Seré.
Crónica de una fuga puede dividirse en dos segmentos mas o menos diferenciables, en función del personaje que asume el rol protagónico y se hace cargo del progreso dramático de la historia en cada uno de ellos. En el primero, Caetano se ocupa de retratar la oscura y asfixiante vida de los secuestrados en la Mansión y aquí el protagonista es Claudio (Rodrigo de la Serna, en una gran interpretación), arquero de Almagro y estudiante universitario, pronto convertido en "perejil". Su personaje le imprime a esta parte un ritmo pausado, testimonial, propio del descubrimiento de ese mundo tenebroso que Caetano expone con mucho pulso y evitando la banalidad y los golpes bajos. Otro gran mérito del director en este primer segmento es la precisa exploración del interior de cada uno de los personajes y de las relaciones que se establecen entre ellos, que encaminan la acción hacia la maravillosa segunda parte.
Guillermo Fernández es otro de los protagonistas de la historia verídica en la que se basa la película y tiene una suerte de doble participación en esta. Convertido en actor en el exilio, Fernández hace su aparición de uno de los momentos claves del film. Un impecable Nazareno Casero interpreta a Guillermo en la ficción, que luego de varios meses de encierro y torturas es llevado ante un juez que, molesto por su falta de colaboración, le anticipa su inminente muerte. El actor que encarna a este despreciable personaje es el propio Guillermo Fernández. Con esto, Caetano parece querer dejar en claro que el film, a pesar de basarse en una hecho real, no deja de ser una representación, una historia de ficción sujeta al lenguaje del medio que le da vida. Además, es en este momento cuando Guillermo se da cuenta que la única salida es escapar y toma definitivamente las riendas de la situación. A partir de aquí comienza el segundo segmento, que se centra en la fuga propiamente dicha y adquiere un ritmo vertiginoso y dinámico gracias a la propia personalidad audaz e inteligente del protagonista y -obviamente- a la gran capacidad del director para abordar el cine de género. Liderados por Guillermo y valiéndose de un pequeño tornillo y viejas frazadas, Claudio y otros dos compañeros aprovechan una oportunidad única y escapan por la ventana de la Mansión en el medio de la noche. Toda la secuencia del escape es sencillamente extraordinaria, producto del inmejorable manejo del suspenso por parte de Caetano. Es notable la escena en la que los cuatro "chupados" corren desnudos y esposados bajo la lluvia, rumbo a la libertad. Parecen fantasmas en la noche. Cuatro muertos que gracias al coraje y -principalmente- a la suerte, logran escapar del infierno y volver a la vida.
Sí, es otra película sobre la dictadura. No, no es otra película sobre la dictadura. Crónica de una fuga es, ante todo, un gran cuento de suspenso y terror en el que el director nos invita a celebrar un pequeño triunfo, dentro de una enorme derrota.

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Como no fui comentando las películas a medida que las veía, ahora que ya pasaron los agitados días festivaleros se me juntaron todas y el interés por escribir al respecto se ha disipado un poco. Sin embargo no quería dejar pasar la oportunidad de referirme a tres films en particular. Como habrán visto en la lista posteada, hubo varios que me gustaron mucho y decía anteriormente que el orden de las películas era arbitrario y sin criterio de preferencia. Evidentemente no es tan así, y mis ganas de comentar las tres que encabezan la lista vienen a refutar de alguna manera aquella afirmación.

Takeshi's. Dirigida por Takeshi Kitano.
Comedia dramática absurda de acción onírica. O como Kitano mismo dijo: una película inclasificable. Una nueva obra maestra del director japonés que toma como punto de partida el casual encuentro entre un famoso actor de nombre Beat Takeshi, y un actor desconocido, demasiado tímido e increíblemente parecido a él. A partir de allí Kitano construye una historia de sueños y mundos que se cruzan dando forma a un gran film que se disfruta de punta a punta. TK hace lo que quiere, y uno termina queriendo lo que hace.

The Wild Blue Yonder. Dirigida por Werner Herzog.
Extraña y maravillosa mezcla entre documental y ficción que combina secuencias oníricas de exploraciones submarinas y viajes espaciales con imágenes en las que un alienígena proveniente de Andrómeda relata sus desventuras. Herzog logra en apenas 80 minutos cautivar al espectador gracias a la extraordinaria belleza de las escenas documentales y a un humor fresco e inteligente que se desprende de cada comentario del narrador. Y como si fuera poco, aparece un científico oriental que intenta dar algunas explicaciones y nos hace reír aún más.

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